Pasamos al manga. 12 Mangas seinen recomendados
El manga es un género dentro del cómic, que he dejado apartado durante bastante tiempo. Sin embargo, repasando la gran cantidad de subgéneros que lo engloba, he encontrado una serie de mangas que cuentan historias muy interesantes y con un enfoque adulto, lejos del típico shonen de estudiantes de secundaria que de repente se convierten en armas de destrucción masiva, dramitas de instituto o las cargantes viñetas de personajes con las caras desencajadas que quieren aportar una nota de humor.
Es por ello, que, en el manga, he optado por seguir algunas series dentro del género seinen que, con una gran variedad de tratamientos, son capaces de ofrecer historias ricas y profundas. Estas historias van desde el cyberpunk y el fantástico, al histórico centrado en la época feudal japonesa, o desde el terror gótico a la acción desenfada y gore a la vez.
Por supuesto, también hay historias intimistas que abordan los problemas de la vejez, los dramas del desempleo o las tragedias familiares. Estos últimos ejemplos también tienen respuesta en el cómic europeo más alejado del mainstream superheróico.
Por ello, en una primera parte, voy a reseñar someramente, 12 mangas del género seinen muy recomendables. Algunos de ellos son clásicos del manga que, incluso, han tenido versión en anime, tanto en series como en películas.
También la temática es muy específica, orientada en mangas cercanos a la filosofía de este blog.
Aunque, como he dicho, habrá una segunda parte, he seguido otro criterio, y es el de indicar series cerradas de pocos tomos. Por ello no voy a incluir éxitos como Berserk, Gantz o Vagabond, por citar algunas, dado la gran cantidad de tomos. Prefiero un manga con una historia más o menos contenida y de ágil lectura.
En cuanto al orden, he optado por hacerlo de manera alfabética ya que es complicado hacer un ranking con mangas de tan diferente temática.
Así pues, vamos al lio.
20TH CENTURY BOYS
20th Century Boys, una creación magistral de Naoki Urasawa, una obra que ha dejado una marca en el panorama del cómic japonés. Con una trama compleja y personajes inolvidables, esta historia de 22 volúmenes dobles nos introduce en un universo de misterio, conspiración y profundas reflexiones sobre la naturaleza humana.
La historia comienza en 1969, cuando un grupo de amigos entierra una caja del tiempo que contiene predicciones sobre un futuro apocalíptico. Estas predicciones parecen estar vinculadas a un culto liderado por el enigmático “Amigo”. El manga salta entre diversas épocas, desde la infancia del grupo de amigos en los años 60 hasta un futuro inminente, siguiendo la vida de Kenji Endo, el personaje central de la trama, y sus amigos de la infancia mientras luchan por descifrar los secretos detrás de estos eventos y enfrentarse a las consecuencias de sus actos pasados.
La narración avanza con una serie de flashbacks que ponen en contexto un hecho del presente y nos muestran su enlace con un hecho del pasado de grupo de niños.
La recreación presente del personaje de Kenji, es magnífica. Alguien con sueños de infancia y juventud que se ve obligado a cuidar de su anciana madre y sobrina además de una tienda cargada de deudas.
La cantidad de misterios, tramas y subtramas abiertas e incógnitas, se van sucediendo durante todo el manga hasta alcanzar un gran final.
Existe una serie en acción real que no sigue el orden del manga. Personalmente, no la terminé
Unos años después de su conclusión, Urasawa publicó un anexo, 21th Century Boys a modo de epílogo de la historia.
AKIRA
Akira, la obra maestra creada por Katsuhiro Otomo, cambio la visión occidental del manga. Su influencia y repercusión han sido cruciales, desde su publicación en 1984, no sólo en el manga, también en la ciencia ficción tanto literaria, como audiovisual. Otomo fusionó influencias de la cultura japonesa, la ciencia ficción occidental y la política contemporánea con sus corruptelas y amor al poder, para crear un mundo rico y complejo.
Su versión cinematográfica es un auténtico hito de la animación que encubra, más si cabe esta obra.
La trama de Akira se sitúa en un Neo-Tokio post-apocalíptico, donde la civilización se recupera después de la destrucción causada por una misteriosa explosión. La historia sigue a Kaneda y Tetsuo, dos jóvenes rebeldes, aficionados a las carreas de motos y las peleas, que se ven envueltos en un conflicto que involucra a personas con poderes psíquicos, los cuales están conectados a un proyecto secreto del gobierno conocido como “Akira”. A medida que los eventos se desarrollan, la trama se desenreda en una épica de conspiraciones, revueltas y evolución humana.
La habilidad artística de Katsuhiro Otomo en Akira es una manifestación de genio creativo. Cada viñeta de este manga está meticulosamente elaborada, con un nivel de detalle y realismo que captura la esencia del Neo-Tokio post-apocalíptico. La representación de la acción y los efectos especiales es muy impactante, y los diseños de personajes muestran una profunda comprensión del comportamiento humano.
La versión disponible en 6 tomos de gran tamaño nos permite disfrutar de uno de los mangas más redondos, conceptualmente hablando. Con el tiempo, tal vez otro manga hubiera abierto las puertas de esta corriente cultural a occidente, pero fue Akira, y sus bases están muy presentas en la actualidad.
ALICE IN BORDERLAND
Una de las grandes joyas del manga seinen lo constituye Alice in Borderland, una obra maestra creada por Haro Aso. Este manga no solo destaca por su intrigante trama, sino también por la gran calidad de su dibujo, creando una experiencia única para el lector.
Alice in Borderland sigue la historia de Arisu y sus amigos, Karube y Chota, quienes se ven arrastrados a un misterioso mundo alternativo después de presenciar un extraño fenómeno en el corazón de Tokio. Este nuevo mundo, conocido como «Borderland», es una recreación distorsionada de la ciudad, donde los habitantes deben enfrentar una serie de juegos mortales para sobrevivir.
Estos juegos son asignados por cartas misteriosas que caen del cielo, cada una con instrucciones específicas y un límite de tiempo para completarlos. Fallar en un juego implica la muerte. La única salida es ganar y acumular cartas, pero cada victoria trae consigo nuevos desafíos y dilemas morales. La lucha por la supervivencia y la exploración de los laberintos de Borderland se convierten en la nueva realidad de Arisu y sus compañeros.
Uno de los mejores aspectos de este manga es su habilidad para mantener un ritmo vertiginoso y lleno de suspense a lo largo de toda la trama. Aso logra hábilmente equilibrar momentos de alta tensión con pausas reflexivas, creando un constante estado de alerta en el lector. Los juegos mortales son presentados con una meticulosa planificación y ejecución, llevando a los personajes al límite de sus habilidades físicas y mentales.
Además, la narración de Aso está llena de sorpresas inesperadas y giros argumentales impactantes, manteniendo al lector en contante tensión. Cada victoria y derrota tiene un peso significativo, lo que añade una capa adicional de emoción al manga.
Alice in Borderland no solo es un thriller psicológico envolvente, sino también una exhibición de la maestría de Haro Aso como autor y dibujante. La combinación de una trama absorbente, un ritmo trepidante y un arte deslumbrante hace de este manga una obra maestra.
Existe una serie de acción real con 2 temporadas emitidas que refleja bastante bien la esencia de este manga.
AZALEA
Este manga aún no está terminado de publicar en España. Consta de 4 volúmenes y se han publicado 3 de ellos.
Nos encontramos en la ciudad de Rapunzel donde la policía tiene un caso complicado: Un asesino en serie, bautizado como El Noble Fantasma, está matando criminales y haciéndoles una marca. La propia policía no está muy ansiosa de esclarecer el caso, pero Kaede, una detective de gran talento apodada entre sus compañeros “La General de Hielo”, no descansará hasta atrapar al culpable.
La investigación interferirá en su reciente matrimonio. Cuando comienzan a ocurrir hechos inexplicables relacionados con el caso, la trama se irá complicando al aparecer también nuevos cuerpos con diferentes marcas y una sociedad secreta trabajando en las sombras. También la relación con su esposo dará un giro desconcertante a las pocas páginas.
El dibujo de los personajes es magnífico, así como los fondos y el ritmo de narración.
La trama detectivesca está muy bien llevada, con investigaciones, visitas a su amiga forense que sirven para relajar la acción, y un montón de pistas que apuntan rápidamente en una dirección.
Una cosa también destacable de esta obra es como retrata la relación de la detective con sus compañeros policías y el ambiente noir que impregna el manga.
Me ha chocado la cantidad de diálogos que incluyen las páginas, algo no muy habitual en el manga.
BLAME
Blame! es otra obra maestra del manga creada por Tsutomu Nihei. Su atmosfera única y opresiva, y la recreación de un vasto mundo post-apocalíptico, ha conseguido situarla en los más alto dentro de los mangas cyberpunk. Sin duda Blame! tiene una complejidad que hace que el lector tenga que estar atento a muchos detalles.
Blame! se desarrolla en un futuro lejano, en un vasto y complejo entorno conocido como la «Megaestructura». Un complejo arquitectónico de escala inimaginable, una colmena interminable de niveles y capas, cuya construcción y propósito original se han perdido en la oscuridad del tiempo.
Dentro de esta Megaestructura, los seres humanos se han dispersado y dividido en innumerables facciones, mientras que la tecnología ha alcanzado niveles tan avanzados que se confunden con la magia. La civilización tal como la conocemos ha desaparecido, perseguida por entidades cibernéticas, y lo que queda es un laberinto oscuro y aparentemente interminable.
El protagonista de la historia, conocido como Killy, es un misterioso vagabundo que tiene como objetivo encontrar a un ser con la capacidad de acceder y manipular el sistema de control central de la Megaestructura, conocido como la Red Terminal Genética, para revertir el caos y restaurar el orden.
En su odisea, le acompañará Cibo, una científica con un gran conocimiento de la tecnología de la Megaestructura.
El dibujo de Tsutomu Nihei en Blame! es verdaderamente apabullante. Sus estudios de arquitectura tienen reflejo en la recreación de los inmensos espacios de la Megaestructura, representándola con un nivel de detalle y complejidad impresionante. Las viñetas están llenas de líneas angulares y perspectivas vertiginosas que enfatizan la vastedad e inmensidad del entorno. Los personajes y las criaturas están diseñados con una estética cyberpunk que refleja la fusión de lo orgánico y lo mecánico.
Una crítica frecuente a Blame!, es la parquedad de los diálogos. Efectivamente, pueden pasar páginas donde sólo veamos a los protagonistas pasar por salas y salas inmensas. También el estilo de dibujo es muy personal, usando trazos oscuros que enfatizan la atmósfera de opresión que quiere transmitir.
En otro manga posterior, Biomega, aunque el argumento troncal es muy similar al de Blame, Nihei abandona un poco el encorsetamiento de este manga.
Existe una serie de anime que mostraba una versión algo menos tenebrosa de Blame! pero bastante apartada del espíritu de la obra.
DEATH NOTE
Death Note es un manga escrito por Tsugumi Ohba e ilustrado por Takeshi Obata. Esta obra maestra del suspense psicológico nos sumerge en un mundo oscuro, donde un extraño cuaderno se convierte en el epicentro de un juego de ingenio letal.
La trama de Death Note gira en torno a Light Yagami, un estudiante que se encuentra un cuaderno llamado “Death Note”. Este cuaderno posee el poder de acabar con la vida de cualquier individuo cuyo nombre sea escrito en sus páginas, siempre y cuando el escritor tenga el rostro del destinatario en mente. Con la determinación de purgar el mundo de la maldad, Light asume el seudónimo de “Kira” y se embarca en una cruzada para erradicar a los criminales y establecer la justicia.
No obstante, este deseo de justicia lleva a un enfrentamiento con L, un detective, cuya genialidad y astucia rivalizan con las de Light. Se inicia, así un duelo intelectual entre ambos llenos de giros y revelaciones.
Junto a Light y L, el otro gran personaje es Ryuk, un shinigami, o dios de la muerte, y el origen del Death Note. Ryuk observa la evolución de los eventos con un tono de indiferencia cómplice a la trama.
El estilo artístico de Takeshi Obata en Death Note es una maravilla visual. Cada página está meticulosamente dibujada, desde los detalles precisos de los personajes hasta los escenarios urbanos y las secuencias de acción impactantes. Obata captura de manera magistral las emociones y la evolución de los personajes a lo largo de la historia. Su habilidad para representar la tensión en las escenas de confrontación añade un plus de realismo al manga.
Las influencias de obras literarias de crimen y misterio son evidentes en la trama y la construcción de los personajes. La interacción entre Light y L es como un duelo entre dos gigantes intelectuales, cada uno con su propia visión del mundo y la justicia.
Death Note va más allá de su intriga superficial para explorar profundamente temas éticos y filosóficos complejos. Plantea preguntas fundamentales sobre el bien y el mal, la moralidad y las consecuencias de las acciones. La narrativa también arroja luz sobre la peligrosa seducción del poder absoluto y el camino resbaladizo hacia la corrupción.
Death Note también cuenta con una serie de anime de 37 episodios divididos en 2 temporadas, y que recrea bastante fielmente el manga.
EDEN: IT’S AN ENDLESS WORLD
Eden: It’s an Endless World es un manga escrito e ilustrado por Hiroki Endo, que se publicó en 1997 y concluyó en 2008. Este manga explora temas sociales, políticos y filosóficos, enmarcados en un futuro post-apocalíptico.
La trama de Eden se desarrolla en un mundo devastado por conflictos políticos y desastres naturales, donde la humanidad lucha por sobrevivir.
al presentar, primero, a una pareja de adolescentes y un científico como únicos supervivientes de un virus mortal que hacía que la gente se convirtiera en piedra. A modo de flashbacks con las páginas bordeadas en negro, vemos como se ha desarrollado toda esta hecatombe. El argumento da un giro muy bueno al mostrarnos que el virus fue controlado y “sólo” mató al 15% de la población mundial.
Pero este virus ha ocasionado la caída de los gobiernos mundiales, dejando el control en manos de la Federación Propater, una corporación militar y varios grupos de rebeldes que tampoco es que sean trigo limpio precisamente.
La historia salta 20 años para seguir a Elijah Ballard, el hijo de la pareja de adolescentes del comienzo, en su búsqueda de su madre y hermana, acompañado por un robot que parece ocultar algo muy codiciado.
La acción nos sitúa en Sudamérica y Elijah se unirá a un grupo de rebeldes, NOMAD, que trata de cruzar los Andes. Además, sabremos que ha sido de su padre y el rol que ejerce a nivel mundial.
También veremos los primeros estados de personas con implantes cibernéticos que les ayudan en multitud de facetas: guerra electrónica, manipulación, etc.
Otro punto muy destacable es que el manga se toma su tiempo para contarnos el pasado de los compañeros de aventuras de Elijah. De esta manera, asistiremos a la configuración de los personajes principales y conoceremos de done provienen sus motivaciones y dilemas.
Desde el caos y la desesperación hasta la esperanza y la redención, la historia sigue a los protagonistas a través de su búsqueda de significado en un mundo al borde del abismo.
Eden se destaca por su narrativa ambiciosa y su capacidad para entrelazar temas complejos en el contexto de un mundo post-apocalíptico. Hiroki Endo, teje habilidosamente elementos de ciencia ficción, política, filosofía y religión en la trama. La obra refleja la naturaleza ambiciosa del ser humano y plantea preguntas profundas sobre la condición humana y el sentido de la existencia en medio del caos.
Además, el dibujo detallado y realista complementa la narrativa, aportando una sensación de autenticidad. La recreación de armas y vehículos es magnífica, junto a los personajes con una fisonomía muy diferente y que permite ubucarlos en las viñetas sin ningún esfuerzo.
Eden es un manga que se está reeditando ya que se paralizó su primera publicación hace años. Ahora se presenta en 9 tomos dobles, de los que el 4º aparecerá a finales de este mes de octubre.
Un manga deudor de obras como Akira, pero que también ha servido de referencia para posteriores obras.
GREEN BLOOD
El mundo del manga está lleno de joyas ocultas que merecen ser descubiertas. Una de esas gemas es Green Blood. Escrita e ilustrada por Masasumi Kakizaki, este manga se destaca por su representación cruda de la Nueva York del siglo XIX y su relato de venganza y redención.
Green Blood nos traslada a Five Points, una de las peores zonas de Nueva York de finales del siglo XIX, donde la inmigración, la corrupción y la violencia son moneda corriente, dos hermanos, Brad y Luke Burns, luchan por sobrevivir. Brad, se convierte en un duro matón de la ciudad, mientras que Luke trabaja como estibador en el puerto y trata de abrirse camino honradamente. Sin embargo, sus caminos se cruzarán en un violento enfrentamiento, dando inicio a una trama de venganza.
Brad es el hermano mayor y el eje sobre el que pivota la historia. Pertenece a los Grave Diggers, la banda más temible y peligrosa y capitaneada por una persona que acogió a ambos hermanos en su infancia. Brad, aparte de asesino, tiene una cuenta pendiente entre manos.
Una pelea en un prostíbulo hace que se desencadene una espiral de violencia y venganza que tendrá a los dos hermanos en el centro de una diana a la que se irán agregando más personajes.
Green Blood destaca con su narrativa dura y sin concesiones. Kakizaki nos sumerge en un mundo de corrupción, violencia y desesperación, donde los personajes luchan por encontrar su lugar en medio del caos urbano.
El arte de Kakizaki en Green Blood es sobresaliente. La meticulosidad con la que representa el entorno urbano de Nueva York, desde los callejones oscuros hasta los rascacielos en construcción, es simplemente impresionante. Los personajes están dibujados con una expresividad que transmite sus luchas internas y la brutalidad del mundo que los rodea.
Este manga tiene influencias claras de western y de la magnífica película Gangs of New York de Martin Scorsese. La ambientación en la Nueva York del siglo XIX se siente auténtica y vívida, llevándonos a una época de caos y transformación.
Green Blood es una historia auto conclusiva y está publicado en 5 tomos
<HARMONY />
Escrito por Makoto Akai y con el ilustrador Yoshitoshi ABe a cargo del diseño artístico, <harmony /> es un manga con apenas 4 volúmenes que es capaz de transmitir mucho más de que lo podría esperar de su extensión.
<harmony /> nos transporta a un futuro distópico donde la humanidad ha alcanzado la utopía mediante la eliminación de las emociones negativas y la creación de una sociedad perfectamente ordenada. Sin embargo, esta «armonía» es frágil y está al borde del colapso. La historia sigue a Tuan Kirie, una joven que ha vivido en este mundo aparentemente idílico desde su infancia. Tuan está obsesionada con averiguar lo que llevó a su amiga de la infancia, Miach, a hacer algo impensable en esta sociedad perfecta: suicidarse.
La trama troncal de <harmony /> radica en la exploración de la naturaleza humana y la dicotomía entre la perfección artificial y la emoción inherente a la humanidad. A medida que transcurre la historia, nos embarcamos en un viaje sobre el significado del libre albedrío y los sentimientos.
El arte de Yoshitoshi ABe en <harmony /> es sublime. Sus ilustraciones evocan una sensación de melancolía y belleza que complementa a la perfección la atmósfera distópica de la historia. las expresiones de los personajes permiten una inmersión total en el mundo que Akai y ABe han creado.
<harmony /> destaca también por la exploración de la psicología humana y las implicaciones de una sociedad utópica y si, al final, una utopía no es una forma de control de la gente y una pérdida de la individualidad.
HELLSING
Hellsing, creado por Kouta Hirano, es un manga que puede catalogarse como una fusión de vampiros y horror gótico situada en la actualidad. Su dibujo muy detallado y una narración vertiginosa, no esconde que Hellsing es un manga excesivo en todos los aspectos.
Publicado en 10 tomos, existe una versión coleccionista en 5 tomos dobles y con una cuidada edición.
Partiendo de una premisa interesante, Hellsing nos introduce en una sociedad secreta en Inglaterra conocida como la Organización Hellsing. Su misión es la caza y exterminio de vampiros y otras amenazas sobrenaturales. Al mando se encuentra Integra Hellsing, una líder fuerte y decidida.
Su más preciado agente es Alucard, un vampiro que actúa bajo sus dictados y que se encarga de erradicar cualquier amenaza de cualquier forma imaginable: tiros, golpes, mordiscos, magia … En una de las primeras misiones, morderá a una soldado, Ceres, para salvarla, convirtiéndola en una cuasi-vampira.
A partir de estas primeras páginas, es cuando el manga mete la directa y las exageraciones, excesos y macarradas superan a las anteriores.
Vamos a ver a otra unidad rival de Hellsing, Iscariote 13, que obedece las órdenes de Vaticano, y uno de sus exorcistas que se enfrenta varias veces a Alucard.
Las escenas de acción se suceden sin pausa. Si creíamos que un sangriento asalto en un hotel de Rio de Janeiro era el culmen, no es nada para lo que nos tiene preparado el villano del manga:
Nada más y nada menos que vampiros nazis queriendo conquistar Inglaterra … A partir de ahí el caos, la acción, el gore y el exceso van alcanzando cumbres cada vez más altas.
Dicho lo anterior, parece que tiene poco sentido recomendar este manga. Ciertamente, la segunda parte llega a abrumar con viñetas rápidas, sin contexto o algo repetitivas.
Pero esta es la esencia de Hellsing, una historia excesiva y trufada de referencias culturales de todo tipo. Desde el bando católico (impagable ver a los caballeros de la Orden de Calatrava atacar), pasando por todo el folclore nazi, o literario (una de las armas de Ceres tiene un nombre parecido a cierto barón de la obra Dune).
De cualquier forma, Hellsing, sabe conjugar los pilares donde se asienta: vampiros, terror gótico, gore y una pátina de humor más o menos negro y macabro.
La representación de los personajes, especialmente los vampiros, es impresionante. Alucard, en particular, es una figura icónica con su presencia imponente y su atuendo característico. Los diseños de los monstruos y las criaturas sobrenaturales son grotescos y aterradores, creando una atmósfera intensa y lúgubre que se mantiene a lo largo de la serie.
El autor utiliza los tropos y clichés del género de vampiros, solo para subvertirlos y llevarlos a extremos inesperados. La violencia y la brutalidad son presentadas sin contemplaciones, lo que contribuye a la sensación de desesperación y caos que impregna la narrativa.
ORIGIN
Origin es un manga creado por Boichi, conocido por su maestría en el dibujo y su capacidad para contar historias cautivadoras. Esta manga, nos sumerge en un mundo de violencia desenfrenada y redención en medio del caos. El eje central es la pregunta de si en un mundo caótico y tecnificado, un robot puede amoldarse a este tipo de vida.
La trama de Origin se desarrolla en un futuro distópico y post-apocalíptico donde el mundo se encuentra en un estado de desorden y decadencia. La sociedad está dividida en facciones violentas y despiadadas, donde la ley del más fuerte prevalece. En este escenario desolado, surge un personaje conocido solo como Origin, cuyo pasado y propósito está envuelto en misterio, capaz de habilidades extraordinarias y un luchador formidable.
A través de su historia, se revelan oscuros secretos, como robots asesinos camuflados como humanos que causan el caos. Origin sólo quiere pasar desapercibido en este mundo caótico, estudiando el comportamiento humano para alcanzar el mimetismo total. Por desgracia, tarde o temprano deberá intervenir.
Por el camino le acompañará Maria, una relación que se irá volviendo más compleja según avance la historia.
El arte de Boichi en Origin es una exhibición de virtuosismo. Cada viñeta incorpora un estilo de dibujo hiperrealista que captura la brutalidad y la belleza de este mundo post-apocalíptico. Los personajes están perfilados con una precisión impresionante, y las secuencias de acción son impactantes y dinámicas. El diseño de escenarios y entornos es otro de los grandes puntos de este manga.
Origin también en un manga que ya ha concluido y se ha publicado en 10 tomos.
Las influencias de Origin se remontan al género del manga de ciencia ficción y al cine post-apocalíptico. Resonancias de obras clásicas que exploran el colapso de la civilización y los dilemas morales emergen en la trama y en la construcción de los personajes.
SATSUMA GISHIDEN
Satsuma Gishiden es un manga histórico y épico creado por Hiroshi Hirata, que nos transporta al Japón feudal del siglo XVIII. Publicado por primera vez en 1987, este manga es una obra de arte que combina una narrativa apasionante con un estilo de dibujo apabullante.
La trama de Satsuma Gishiden se sitúa en el período Edo, un tiempo de intriga política y conflictos samuráis.
En esta época, Japón se enfrenta a una era de paz interna, los samuráis, sin batallas para mostrar sus habilidades, se encargan de trabajos “deshonrosos” para ellos, como artesanos o alfareros. Sólo tienen un pasatiempo: perseguir a caballo a los criminales con la promesa de la libertad si sobreviven. Chōjirō Kanzaki, un samurái del clan Satsuma caído en desgracia logra superar la prueba y desafiar todo el sistema de valores.
Kanzaki, luchará por mantener los principios del bushido de honor y lealtad por encima de un mundo cuya modernidad amenaza con su desaparición.
En esta lucha tanto interna como externa, tendrá como rival a Tadatomo Oyama, líder de un clan rival. Desde esta premisa, el manga presenta una saga de personajes envueltos en un mundo de violencia y lealtad
El estilo de dibujo de Hiroshi Hirata en Satsuma Gishiden es una maravilla, punto. Con una atención al detalle y una habilidad para capturar la gravedad de las escenas de combate, Hirata crea un mundo impresionante que nos traslada al Japón feudal. Los rasgos faciales y las expresiones de los personajes están dibujados con una profundidad y realismo brutal.
Satsuma Gishiden se basa en hechos históricos reales que ocurrieron durante el período Edo. Hiroshi Hirata lleva a cabo una gran labor de investigación y documentación, lo que da a la obra una sensación de autenticidad y profundidad.
La influencia del cine samurái clásico, sobre todo Kurosawa, y la literatura histórica japonesa también se refleja en la narrativa y el estilo visual de la obra.
Satsuma está publicado en apenas 5 volúmenes, pero cada página es un goce para la vista.
